Orani | Museo Nivola: Nairy Baghramian Pratza ’e Domo. A Semiotic House That Was Never Built | 2024

Nairy Baghramian. Pratza ’e Domo

Baghramians Titel „Pratza ’e Domo [Heimplatz]“ greift einen Ausdruck auf, der in Sardinien den Platz vor einem Haus bezeichnet, der oft mit einer Bank oder einem Stuhl ausgestattet ist, auf dem man sich ausruhen kann: ein nicht klar abgegrenzter Übergangsbereich, gleichzeitig privat und öffentlich, individuell und kollektiv. Dieser sowohl physische als auch konzeptionelle Raum ist mit der Idee von „A Semiotic House That Was Never Built“ verbunden, einem Projekt, das Baghramian 2008 im NAK – Neuer Aachener Kunstverein zusammen mit Janette Laverrière und Henrik Olesen („Affären. A Semiotic House That Was Never Built“) ins Leben rief.

Die Künstlerin begreift das Haus als einen utopischen Raum, der nie gebaut wurde und vielleicht auch nie gebaut wird, aber allein die Tatsache, ihn sich vorzustellen, evoziert die Möglichkeit seiner Existenz und macht ihn glaubwürdig. Es ist eine provisorische Umgebung, um Ideen und Projekte in kontinuierlicher Ausarbeitung und Neuzusammenstellung von Fragmenten zu entwickeln oder beiseite zu legen. Jedes Fragment ist eine eigenständige Schöpfung und trägt zugleich „mit einer Rückwärtsbewegung“ – wie Baghramian sagt – zur Definition eines Kontextes bei.

Das Projekt für das Nivola Museum verbindet eine Reihe von Aspekten, die in Nairy Baghramians Arbeit schon immer präsent waren. Einer davon ist das Interesse an den Grenzen zwischen öffentlichem und privatem Raum, zwischen Außen- und Innenräumen, die sie als potenziell durchlässig und daher voller Spannung erkundet. Während in früheren Arbeiten der Künstlerin die Spannung im Allgemeinen zwischen dem institutionellen Raum des Museums oder der Galerie und dem sozialen Raum abgegrenzt wird, wird in diesem Fall der institutionelle Raum idealerweise mit dem häuslichen Raum identifiziert, auch dank der Form der Ausstellungsumgebung, einem ehemaligen Waschhaus mit Satteldach, das einem Haus ähnelt. Vom Haus aus nimmt der Museumsraum die Eigenschaften von Willkommen und Schutz an und wird zu einem Raum, in dem verschiedene künstlerische Diskurse koexistieren und miteinander in Resonanz treten können. Die Verschmelzung von öffentlichen und privaten Räumen kennzeichnet sowohl Baghramians neue Skulptur „To Let“, die an der Fassade des Gebäudes angebracht ist und in Dialog mit denen von Phyllida Barlow tritt, als auch die Darstellung der Arbeit „Der Fuß des Künstlers“ (January ’17 Calendar, 2017) des Künstlers Win McCarthy – die als flüchtige Geste auf dem Ausstellungsplakat erscheint –, wo örtliche und zeitliche Achsen in einem Hybrid zwischen Grundriss und Kalender zusammenlaufen.

Ein weiterer Grenzbereich, der Baghramians Aufmerksamkeit erregt, ist der zwischen Kunst und Design, zwischen der ästhetischen und der ornamentalen Dimension, der in der Ausstellung anhand bewusst hybrider Werke untersucht wird, wie etwa der Stuhlskulptur Chaise L’Afghane (1987) von Janette Laverrière, den Hockern von Nicolas Hsiung, dem bemalten Arbeitskleid Arepas y Tamales (2022) von Oscar Murillo oder, von Baghramian selbst, dem in Samugheo gewebten monumentalen Teppich von Mariantonia Urru (dessen minimalistisches Design auf die der Künstlerin am Herzen liegende Idee des negativen Raums anspielt, die ihr beim Besuch des prähistorischen heiligen Brunnens von Santa Cristina auf Sardinien in Erinnerung gerufen wurde) und der Griffskulptur, die an einer Tür im Innenhof des Museums angebracht ist.

Das Unvollendete, das Zurückgelassene und das Unrealisierte sind auch wiederkehrende Themen in der Arbeit von Nairy Baghramian, deren Skulpturen, die oft zerbrechlich oder scheinbar unvollständig sind, auf ein Unbehagen hinweisen, eine Schwierigkeit der Anpassung, die sie dazu zwingt, auf Krücken zu stehen oder sich auf die Architektur zu stützen, wie in der Serie Scratching the Back, die 2023 für die Facade Commission des Metropolitan Museum of New York geschaffen wurde. Prekarität, Unvollständigkeit und Vergänglichkeit kehren zurück in dem von Paulina Olowska gemalten Haus im Bau auf einem Baum („Tree House“, 2016), in den Luftstrukturen aus Zellophan, Bändern, Holz und anderen Materialien von Rosemary Mayer („Midwinter Ghost“, 1980–1981/2024), in den rohen und provisorisch wirkenden Werken von Phyllida Barlow („Untitled“, 2010), in Monika Sosnowskas Zaunfragmenten („Gate“, 2019) sowie in den wirbelnden Rhythmen von Julie Mehretus abstrakte Kompositionen.

Für Baghramian sind kollaborative Ideen nichts Neues und sie entwickelte schon früh die Praxis, Einladungen zu Soloprojekten in kollektive Erfahrungen mit Künstlern wie der oben erwähnten Janette Laverrière, Jan Timme, der Choreografin Maria Hassabi und in jüngerer Zeit Julie Mehretu umzuwandeln, mit der sie einen jahrelangen Dialog führt, der in der gemeinsamen Arbeit an den skulpturalen Rahmen gipfelt, die Baghramian für Mehretus „Transpaintings“ konzipierte, die auch Teil der Mehretu Ensemble-Ausstellung im Palazzo Grassi im Jahr 2024 wurden. Wie in den Ausstellungen Off Broadway im Wattis Institute in San Francisco (2014) und Open Dress im Museum Abteiberg in Deutschland (2015), ebenfalls im Nivola Museum, stehen Zusammenarbeit und Teilnahme in ihrer Arbeit entschieden im Vordergrund, mit Projekten, die eine Gruppe von Künstlern zusammenbringen, die durch verschiedene Affinitäten mit Baghramian verbunden sind, und die über das utopische und subversive Potenzial der kollaborativen Arbeit in einem Bereich – dem der zeitgenössischen Kunst – nachdenken, der so ideologisch verbunden mit persönlicher Ausdruckskraft, wenn nicht mit der Idee des einsamen und gequälten Künstlerhelden.

Schließlich spiegelt das Ausstellungskonzept die Exilsituation von Costantino Nivola und seiner Frau Ruth Guggenheim wider, die 1938 aus dem faschistischen Italien flohen, um sich in New York niederzulassen, und erst nach Kriegsende gelegentlich nach Europa und Sardinien zurückkehrten.

Kuratiert von Giuliana Altea, Antonella Camarda, Luca Cheri.