New York | MoMA: Helen Frankenthaler. A Grand Sweep

„Es ging mir um eine großartige, dynamische Komposition. Ich hatte die grundlegende Idee im Kopf – ich wusste, wie die Linien fließen würden. Ich war mir meines Stils sicher.“

Diese Worte fand Helen Frankenthaler zu ihrem Gemälde „Chairman of the Board“ (1971, MoMA). Die Aussage macht die Ambition der Künstlerin deutlich. Bewusst arbeitete sie in monumentaler Größe und entwickelte in Auseinandersetzung mit ihrer Kollegenschaft ein großes Selbstvertrauen. Zwei Jahrzehnte zuvor, im New York der 1950er Jahre, war Helen Frankenthaler mit ihrem Personalstil der Durchbruch in der Gruppe des Abstrakten Expressionismus gelungen. Ihre Formulierung „großartige, dynamische Komposition“ spiegelt zudem die vielschichtige Entwicklung ihrer Karriere und ihre ständige Innovationskraft wider.

Abstrakte Landschaften

In den 1950er Jahren entwickelte Helen Frankenthaler ihre charakteristische Technik: Sie goss verdünnte Ölfarbe auf ungrundierte Leinwand und ließ die Farbe in den Untergrund einsickern („soak-stain-technique“), anstatt die Farbe nur auf die Oberfläche aufzutragen. Durch das Einsickern in den Stoff und das Verrinnen der Farben erinnern ihre Gemälde an großformatige Aquarelle.

Bereits ein Jahr nach seiner Entstehung erwarb das MoMA Frankenthalers „Trojan Gates“ von 1955. Die Künstlerin beschrieb dieses Gemälde als Teil einer Serie, die „unförmige, innere Welten oder Tiefeneffekte auf der Oberfläche und in der Perspektive darstellt, die an bestimmten Stellen durch punktuelle Farbflecken strukturiert werden“. Um diesen Tiefeneffekt zu erzielen, verdünnte Frankenthaler ihre Farben mit Terpentin, sodass sie direkt in den Leinwandgrund eindrangen und ihn durchfärbten. Sie verwendete zwar selten die Farbe Schwarz, aber mit ihrer Fleckmaltechnik konnte sie, wie sie selbst sagte, Schwarz „als Farbfläche und nicht als schwarze Linie oder als ‚stabilisierendes Element‘“ einsetzen.

Obwohl Frankenthaler selten explizit auf figurative Bezüge in ihren abstrakten Kompositionen einging, zeigte sie häufig Interesse an der Landschaft. Die Gemälde, die sie im Freien am Land schuf, seien, „voll von Ideen über Landschaft, Raum, Komposition, Perspektive, Wiederholung, Flächigkeit und Licht – all das hat mich inspiriert und prägt bis heute mein Schaffen und meine Experimente.“ 1957 formulierte die Malerin: „Wenn ich mich zu einer Interpretation äußern muss, dann sehe ich in meinen Bildern explosive Landschaften, Welten und Weiten, die auf einer flachen Fläche dargestellt sind.“

Ein weiteres frühes Hauptwerk der Abstrakten Expressionistin in der Sammlung des MoMA ist „Jacob's Ladder“ (1957): Der Titel dieses Werkes bezieht sich auf die biblische Figur Jakob, den Sohn Isaaks und Rebekkas. Wie in der Genesis beschrieben, hatte Jakob einen Traum, in dem er eine Leiter sah, die bis zum Himmel reichte. „Das Bild entwickelte sich (schrittweise während des Malprozesses) zu einer Form, die an eine lebendige Gestalt und eine Leiter erinnert – daher der Titel ‚Jakobsleiter‘.“

Formen – Regionen – Atmosphären

Anfang der 1960er Jahre wechselte Helen Frankenthaler zu Acrylfarbe, was klarere Konturen ermöglichte und eine neue Betonung der Formgebung bewirkte. Mit großer Sensibilität für die Beziehung zwischen Malerei und Landschaft verglich sie diese Formen mit geografischen Gebieten und nannte sie „Regionen“ oder „Territorien“. Ende der 1980er Jahre führten diese Materialexperimente zunehmend zu atmosphärisch reizvollen Kompositionen, wie beispielsweise „Toward Dark“ (1988), ein kürzlich erworbenes Gemälde, das in dieser MoMA-Ausstellung erstmals gezeigt wird.

Kuratiert von Samantha Friedman, Kuratorin der Abteilung für Zeichnungen und Druckgrafiken, in Zusammenarbeit mit Elizabeth Wickham, wissenschaftliche Mitarbeiterin der Abteilung für Malerei und Skulptur.