Isamu Noguchi

Wer war Isamu Noguchi?

Isamu Noguchi (japanisch 野口 勇, Los Angeles 17.11.1904–30.12.1988 New York) war ein US-amerikanischer Bildhauer und Designer des Surrealismus. Isamu Noguchi war unter anderem Teilnehmer der „documenta II“ (1959) und der „documenta III“ (1964) in Kassel. Im Jahr 1986 vertrat er die USA auf der Biennale in Venedig.

Noguchis elementares Interesse an plastischem Gestalten ließ ihn zwischen der Arbeit als Designer und als Bildhauer, Bühnenbildner, Landschaftsarchitekt wechseln. Seine Werke zeigen sowohl den Einfluss westlicher Kunst als auch den japanischer und chinesischer Tradition. Im Jahr 1947 begann Noguchi eine Zusammenarbeit mit der Firma Herman Miller, als er gemeinsam mit George Nelson, Paul László und Charles Eames einen Katalog mit dem einflussreichsten Körper moderner Möbel produzierte, darunter den ikonischen Noguchi-Tisch.

Kindheit

Isamu Noguchi wurde am 17. November 1904 als Sohn des japanischen Dichters Noguchi Yonejirō und der amerikanischen Schriftstellerin Léonie Gilmour in Los Angeles geboren. Die Beziehung seiner Eltern zum Zeitpunkt seiner Geburt war kompliziert, hatte sein Vater doch Ethel Armes, Reporterin der Washington Post, einen Heiratsantrag gemacht. Ende August war er nach Japan zurückgekehrt, um dort auf seine Verlobte zu warten. Als diese Monate später von seinem unehelichen Sohn und Léonie Gilmour erfuhr, löste sie die Verlobung auf.

Jahre in Japan

1906 lud Yonejirō Léonie ein, mit ihrem gemeinsamen Sohn nach Tokio zu kommen. Sie lehnte zunächst ab, aber die wachsende antijapanische Stimmung nach dem Russisch-Japanischen Krieg überzeugte sie schließlich, das Angebot anzunehmen. Die beiden verließen San Francisco im März 1907 und fuhren nach Yokohama, wo sie Yone trafen. Bei der Ankunft erhielt ihr Sohn den japanischen Namen Isamu (勇, „Mut“). Yone hatte jedoch eine Japanerin geheiratet, als sie ankamen, und war in der Kindheit seines Sohnes größtenteils abwesend. Nachdem sie sich wieder von Yone getrennt hatten, zogen Léonie und Isamu mehrmals durch Japan.

Als die beiden 1912 in Chigasaki lebten, wurde Isamus Halbschwester Ailes Gilmour, Pionierin der amerikanischen Modern Dance-Bewegung, als Tochter eines unbekannten japanischen Vaters geboren. Leonie ließ für sich und ihre Kinder ein Haus bauen, was sie vom damals achtjährigen Isamu „beaufsichtigen“ ließ. Sie förderte die künstlerische Begabung ihres Sohnes, überließ ihm die Verantwortung für ihren Garten und ließ ihn eine Lehre bei einem örtlichen Tischler machen. Im Dezember 1917 zogen die drei jedoch erneut in eine englischsprachige Gemeinde in Yokohama.

Im Alter von 14 Jahren wurde Isamu Noguchi zurück in die USA geschickt, um in Rolling Prairie, Indiana, zur Schule zu gehen (1918). Nach seinem Abschluss ging er mit Dr. Edward Rumely nach LaPorte, wo er bei einem Swedenborgianer Pastor, Samuel Mack, ein Internat fand. Noguchi begann die La Porte High School zu besuchen, die er 1922 abschloss. Während dieser Zeit seines Lebens war er unter dem Namen „Sam Gilmour“ bekannt.

Ausbildung

Noguchi studierte von 1923 bis 1926 an der Columbia University und an der Leonardo da Vinci Art School; 1927 erhielt er für zwei Jahre das Guggenheim-Stipendium.

Nach seinem High School-Abschluss äußerte Noguchi den Wunsch, Künstler zu werden. Obwohl Dr. Rumley vorgezogen hätte, wenn Noguchi Arzt geworden wäre, erkannte er dessen Bitte an und schickte ihn nach Connecticut. Dort arbeitete er als Lehrling bei Gutzon Borglum, der als Schöpfer des Mount Rushmore National Memorial bekannt war. Borglum arbeitete zu dieser Zeit an der Gruppe „Wars of America“ für die Stadt Newark, New Jersey, bestehend aus 42 Figuren und zwei Reiterskulpturen. Als Lehrlingen erhielt Noguchi ein wenig Ausbildung als Bildhauer. Zu seinen Aufgaben gehörten die Organisation der Pferde und das Modellstehen für das Denkmal General Shermans. Noguchi nahm jedoch einige Fähigkeiten im Gußverfahren von Borglums italienischen Assistenten auf und formte später eine Büste von Abraham Lincoln. Am Ende des Sommers sagte Borglum zu Noguchi, dass er niemals Bildhauer werden würde, was ihn dazu veranlasste, Rumelys Vorschlag zu überdenken.

Isamu Noguchi reiste dann nach New York City, wo er sich wieder mit der Familie Rumely in ihrem neuen Wohnsitz traf. Mit Dr. Rumelys finanzieller Hilfe schrieb sich Noguchi im Februar 1922 als vormedizinischer Student an der Columbia University ein. Bald darauf traf er den Bakteriologen Hideyo Noguchi, der ihn drängte, seine Entscheidung zu überdenken, sowie den japanischen Tänzer Michio Itō, dessen Prominentenstatus Noguchi später half, Bekanntschaften in der Kunstwelt zu knüpfen. Einen weiteren wichtigen Einfluss übte seine Mutter aus, die 1923 von Japan nach Kalifornien und später nach New York zog.

1924, noch während er an der Columbia University eingeschrieben war, folgte Noguchi dem Rat seiner Mutter, Abendkurse an der Leonardo da Vinci Art School zu besuchen. Der Leiter der Schule, Onorio Ruotolo, war sofort von Noguchis Arbeit beeindruckt. Nur drei Monate später hielt Noguchi seinen ersten Auftrag, eine Serie von Gips- und Terrakottaarbeiten. Noguchi verließ daraufhin die Columbia University, um sich ganz der Bildhauerei zu widmen, und änderte seinen Namen von Gilmour in Noguchi.

Nachdem Isamu Noguchi in sein eigenes Atelier gezogen war, fand er Arbeit durch Aufträge für Porträtbüsten. Der Autodidakt gewann damit sogar die Logan Medal of the Arts. Während dieser Zeit besuchte er Avantgarde-Ausstellungen in den Galerien von Modernisten wie Alfred Stieglitz und J.B. Neuman und interessierte sich besonders für eine Ausstellung der Werke des in Rumänien geborenen Bildhauers Constantin Brâncuși.
Ende 1926 bewarb sich Noguchi um ein Guggenheim-Stipendium. In seinem Bewerbungsschreiben schlug er vor, Stein- und Holzbildhauerei zu studieren und ein Jahr lang „ein besseres Verständnis der menschlichen Figur“ in Paris zu erlangen, dann ein weiteres Jahr durch Asien zu reisen, seine Arbeiten auszustellen und nach New York zurückzukehren. Er erhielt das Stipendium, obwohl er drei Jahre zu jung war.

Isamu Noguchi und Constantin Brâncuși

Noguchi kam im April 1927 in Paris an und traf bald darauf den amerikanischen Schriftsteller Robert McAlmon, der ihn in das Atelier von Constantin Brâncuși einführte. Trotz einer Sprachbarriere zwischen den beiden Künstlern – Noguchi sprach kaum Französisch und Brâncuși kein Englisch –, wurde Noguchi für die nächsten sieben Monate Brâncușis Assistent. Während dieser Zeit erlernte Noguchi die Steinbildhauerei, ein Medium, das er zuvor noch nie genutzt hatte. Später unterstrich er, dass eine der größten Lehren Brâncușis darin bestanden hätte, „den Wert des Augenblicks“ zu schätzen. Währenddessen befand sich Noguchi in Frankreich in guter Gesellschaft: Einführungsbriefe von Michio Itō halfen ihm, Künstler wie Jules Pascin und Alexander Calder zu treffen, die im Atelier von Arno Breker lebten. Sie wurden Freunde und Breker machte eine Bronzebüste von Noguchi.

In seinem ersten Jahr in Paris schuf Isamu Noguchi nur eine Skulptur – seine „Marmorkugelsektion“. Während des folgenden Jahres setzte er seine Ausbildung in Steinbearbeitung bei dem italienischen Bildhauer Mateo Hernandes fort. 1928 entstanden mehr als 20 Abstraktionen in Holz, Stein und Blech.

New York: Buckminster Fuller

Noguchis nächstes großes Ziel war Indien, von wo aus er nach Osten reisen wollte. Er ging nach London, um sich über orientalische Skulptur zu informieren. Jedoch wurde ihm die Verlängerung des Guggenheim-Stipendiums verweigert, die er dafür gebraucht hätte. Deshalb kehrte Isamu Noguchi im Februar 1929 nach New York City zurück. Brâncuși hatte Noguchi empfohlen, Romany Maries Café in Greenwich Village zu besuchen. Noguchi tat dies und traf dort Buckminster Fuller, mit dem er an mehreren Projekten zusammenarbeitete, einschließlich der Modellierung von Fullers Dymaxion-Auto.

Nach seiner Rückkehr organisierte die Eugene Schoen Gallery mit Noguchis abstrakten Skulpturen aus Paris seine erste Einzelausstellung. Nachdem keines seiner Werke verkauft werden konnte, gab Noguchi die abstrakte Kunst zugunsten von Porträtbüsten auf, um sich selbst zu ernähren. Bald nahm er Aufträge der wohlhabenden und prominenten Klientel an. Eine Ausstellung mehrerer Büsten, darunter die von Martha Graham und Buckminster Fuller, aus dem Jahr 1930 erhielt positive Kritiken. Nach wenigen Monaten Porträtschaffens hatte Noguchi genug Geld verdient, um seine Reise nach Asien fortzusetzen.

Reise nach China und Japan (1930–1932)

Zwischen 1930 und 1932 unternahm der US-amerikanische Künstler Reisen nach Paris, Peking und Japan; in China studierte er insbesondere die Tuschemalerei, in Japan das Töpfern bei Uno Jinmatsu.

Isamu Noguchi brach im April 1930 nach Paris auf, wo er zwei Monate später sein Visum für die Transsibirische Eisenbahn erhielt. Er entschied sich, zuerst Japan statt Indien zu besuchen. Nachdem er jedoch erfahren hatte, dass sein Vater nicht wollte, dass sein Sohn mit seinem angenommenen Nachnamen ihn besuchen wollte, reiste er erschüttert stattdessen nach Peking. In China studierte er Tuschemalerei bei Qi Baishi, blieb sechs Monate, bevor er schließlich nach Japan segelte. Schon vor seiner Ankunft in Kobe hatten japanische Zeitungen Noguchis angebliches Wiedersehen mit seinem Vater aufgegriffen. Obwohl der Künstler bestritt, dass dies der Grund für seinen Besuch war, trafen sich die beiden in Tokio. Später reiste Isamu nach Kyoto weiter, um bei Uno Jinmatsu Töpferei zu studieren. Hier studierte er auch lokale Zen-Gärten und Haniwa, Tongräberfiguren der Kofun-Zeit, die seine Terrakotta „Die Königin“ inspirierten.

Frühe Werke: Porträts, Denkmäler und Spielplätze

Noguchi kehrte inmitten der Weltwirtschaftskrise nach New York zurück und fand nur wenige Kunden für seine Porträtbüsten. Stattdessen hoffte er, seine neu geschaffenen Skulpturen und Tuschebilder aus Asien verkaufen zu können. Obwohl er nur sehr wenige verkaufen konnte, betrachtete Noguchi diese Einzelausstellung (ab Februar 1932 begann, Chicago, Westküste und Honolulu) als seine „erfolgreichste“.

Darüber hinaus wurde sein nächster Versuch, sich die Abstraktion mit einer großen, stromlinienförmigen Figur der Tänzerin Ruth Page mit dem Titel „Miss Expanding Universe“ zu erobern, schlecht aufgenommen. Im Januar 1933 arbeitete Noguchi in Chicago mit Santiago Martínez Delgado an einem Wandbild für Chicagos Century of Progress Exposition, fand dann wieder ein Geschäft für seine Porträtbüsten. Im Juni 1933 zog der Bildhauer nach London in der Hoffnung, mehr Arbeit zu finden, kehrte aber im Dezember kurz vor dem Tod seiner Mutter Léonie bereits wieder zurück.

Ab Februar 1934 begann Noguchi, seine ersten Entwürfe für öffentliche Räume und Denkmäler beim Public Works of Art Program einzureichen. Ein solcher Entwurf, ein Denkmal für Benjamin Franklin, blieb jahrzehntelang unrealisiert. Ein anderer Entwurf, ein gigantisches pyramidenförmiges Erdwerk mit dem Titel „Monument to the American Plow“, wurde ebenfalls abgelehnt, und seine „skulpturale Landschaft“ eines Spielplatzes, genannt „Play Mountain“, wurde von Parkkommissar Robert Moses persönlich abgelehnt. Isamu Noguchi wurde schließlich aus dem Programm gestrichen und musste wieder mit der Bildhauerei von Porträtbüsten seinen Lebensunterhalt bestreiten. Nach einer weiteren Einzelausstellung Anfang 1935 bezeichnete Henry McBride von der „New York Sun“ Noguchis „Tod“, der einen gelynchten Afroamerikaner darstellt, als „einen kleinen japanischen Fehler“. Im selben Jahr produzierte er das Bühnenbild für „Frontier“ – das erste von vielen für Martha Graham.

Dem Federal Art Project legte Isamu Noguchi erneut Entwürfe vor, von denen eines ein weiteres Erdwerk mit dem Titel „Relief Seen from the Sky“ für den New Yorker Flughafen ausgewählt wurde. Nach einer weiteren Ablehnung zog Noguchi nach Hollywood, wo er wieder als Porträtbildhauer arbeitete, um Geld für einen Aufenthalt in Mexiko zu verdienen.
Sein erstes Werk für den öffentlichen Raum ist ein Relief-Wandbild für den Abelardo Rodriguez-Markt in Mexiko-Stadt. Die 20 Meter lange Darstellung stellte die Geschichte von 1936 und aus der Perspektive Mexikos dar. Das Relief war sehr politisch und sozial bewusst; der Bildhauer verarbeitete moderne Symbole wie das Nazi-Hakenkreuz, Hammer und Sichel und die Gleichung E = mc².

In dieser Zeit lernte Noguchi die Malerin Frida Kahlo kennen, mit der er eine kurze, aber leidenschaftliche Affäre hatte. Die beiden Künstler blieben Freunde bis zu ihrem Tod.

Weitere Karriere in den USA (1937–1948)

Noguchi kehrte 1937 nach New York zurück. Er entwarf die Zenith Radio Nurse, das ikonische Original-Babyphon. Die Radio Nurse war Noguchis erster großer Designauftrag, das er „mein einziges streng industrielles Design“ nannte.

Der Bildhauer verdiente wieder Geld mit Porträtbüsten, aber wurde auch nach verschiedenen Vorschlägen für zwei Skulpturen ausgewählt. Der erste öffentliche Auftrag, ein Brunnen, gebaut aus Automobilteilen für die Ausstellung der Ford Motor Company auf der New Yorker Weltausstellung 1939, wurde von Kritikern und Noguchi gleichermaßen schlecht beurteilt. Er führte ihn aber dennoch zum Brunnenbau und Einsatz des Materials Magnesit. Noguchis zweite Skulptur, das neun Tonnen schweres Edelstahl-Flachrelief „News“, wurde im April 1940 über dem Eingang des Associated Press-Gebäudes im Rockefeller Center und unter großen Beifall enthüllt. Nach weiteren Ablehnungen seiner Spielplatzentwürfe brach Noguchi im Juli 1941 zu einem Roadtrip mit Arshile Gorky und dessen Verlobter auf. Er trennte sich schließlich von ihnen, um nach Hollywood zu gehen.

Zweiter Weltkrieg – Camp Poston

Nach dem Angriff auf Pearl Harbor wurde die anti-japanische Stimmung in den Vereinigten Staaten immer stärker. Als Reaktion darauf gründete Noguchi „Nisei Writers and Artists for Democracy“, um die Internierung japanischer Amerikaner zu stoppen. Noguchi und andere schrieben an einflussreiche Beamte, einschließlich des Kongressausschusses unter der Leitung des Abgeordneten John H. Tolan, Bittbriefe. Noguchi nahm später an Anhörungen teil, hatte aber wenig Einfluss auf deren Ergebnis. Der Künstler half bei der Organisation einer Dokumentation über die Internierung, verließ Kalifornien aber vor der Veröffentlichung des Berichts. Als Einwohner von New York City durfte er nach Hause zurückkehren. Er hoffte, die japanisch-amerikanische Loyalität zu beweisen, indem er die Kriegsanstrengungen unterstützte. Als mehrere Regierungsabteilungen ihn ablehnten, traf sich Noguchi mit John Collier, dem Leiter des Büros für Indianerangelegenheiten, der ihn überredete, in das Internierungslager in einem Indianerreservat in Poston, Arizona, zu reisen, um dort Kunst und Handwerk und Gemeinschaft zu fördern.

Noguchi kam im Mai 1942 in Camp Poston an, wo er als einziger freiwilliger Internierter „einzog“. Der Künstler arbeitete zunächst in einer Schreinerei, aber seine Hoffnung war es, Parks und Erholungsgebiete innerhalb des Lagers zu gestalten. Obwohl er in Poston mehrere Pläne erstellte, darunter Entwürfe für Baseballfelder, Schwimmbäder und einen Friedhof, stellte er fest, dass die War Relocation Authority nicht die Absicht hatte, sie umzusetzen. Für die WRA-Lagerverwalter war er ein lästiger Eindringling aus dem Bureau of Indian Affairs. Die Internierten sahen in ihm einen Spion der Lagerverwaltung, weshalb sie ihm nicht vertrauten. Er fand keine Verbindung zu den „Nisei“, die ihn als seltsamen Außenseiter betrachteten.

Im Juni 1942 beantragte Isamu Noguchi seine Freilassung, aber der Geheimdienst beurteilte ihn aufgrund seiner Beteiligung an „Nisei Writers and Artists for Democracy“ als „verdächtige Person“. Er erhielt schließlich am 12. November einen einmonatigen Heimaturlaub bewilligt; obwohl ihm danach ein dauerhafter Urlaub gewährt wurde, wurde ihm bald darauf ein Deportationsbefehl zugestellt. Das Federal Bureau of Investigation, das ihn der Spionage beschuldigte, leitete eine vollständige Untersuchung Noguchis ein. Nur die Intervention der American Civil Liberties Union beendete diese. Noguchi erzählte später seine Kriegserfahrungen in der britischen Dokumentationsserie „The World at War“.

Werke der 1940er Jahre

Nach seiner Rückkehr nach New York City mietete Noguchi ein neues Atelier in 33 MacDougal Alley, in Greenwich Village. In den 1940er Jahren ist seine Skulptur aus dem Surrealismus gespeist. Zu diesen Arbeiten gehören nicht nur verschiedene Mixed-Media-Konstruktionen und Landschaftsreliefs, sondern auch Monde – selbstleuchtende Reliefs – und eine Reihe biomorpher Skulpturen aus ineinandergreifenden Platten. Seine Konzepte und Gefühle spiegeln sich insbesondere in den filigranen, miteinander verzahnten Plattenskulpturen wider, die er 1946 in der Ausstellung „Fourteen Americans“ im Museum of Modern Art, New York, zeigte. „Kouros“ (1944/45, Metropolitan Museum), das berühmteste dieser Werkgruppe, wurde erstmals in einer Ausstellung im September 1946 gezeigt und trug dazu bei, seinen Platz in der New Yorker Kunstszene zu festigen.1 Dem Bildhauer gelang eine Komposition aus biomorph gehauenem Stein, eine Skulptur aus mehreren Teilen, die durch Kleber und Strecker zusammengehalten werden. Damit wollte er die fragilen Balance des aufrechtstehenden Menschen versinnbildlichen:

„Das Bild des Menschen als Kouros geht zurück auf Erinnerungen aus meiner Studentenzeit an ... den rosa Kouros aus ihrer Sammlung [an früherer Stelle in diesem Katalog gezeigt] ... Das Gewicht des Steins hält ihn oben – eine Balance der Kräfte, so exakt und unsicher wie das Leben.“ (Isamu Noguchi an das MET)

Im Jahr 1947 begann Noguchi eine Zusammenarbeit mit Herman Miller aus Zeeland, Michigan. Diese sollte sich als sehr fruchtbar erweisen und führte zu mehreren Entwürfen, die zu Ikonen des modernistischen Designs geworden sind. Dazu zählt u.a. der ikonische Noguchi-Tisch, der bis heute in Produktion ist. Isamu Noguchi startete auch eine Zusammenarbeit mit Knoll, für den er Möbel und Lampen entwarf.

In dieser Zeit setzte Noguchi auch sein Engagement für das Theater fort und entwarf Bühnenbilder für Martha Grahams „Appalachian Spring“ sowie John Cage und Merce Cunninghams Produktion „The Seasons“.

Gegen Ende der New Yorker Phase fand Noguchi auch Akzeptanz mit seinen Arbeiten zur Gestaltung öffentlicher Räume, darunter ein Auftrag für die Decken des Time-Life-Hauptquartiers. Im März 1949 präsentierte die Charles Egan Gallery Noguchis erste Einzelausstellung in New York seit 1935.

Bollingen-Stipendium und Leben in Japan (1948–1952)

Nach dem Selbstmord seines Freundes Arshile Gorki im Jahr 1948 und einer gescheiterten romantischen Beziehung mit Nayantara Pandit, der Nichte des indischen Nationalisten Jawaharlal Nehru, bewarb sich Noguchi um ein Bollingen-Stipendium, um die Welt zu bereisen. In seiner Bewerbung entwickelte er den Plan, den öffentlichen Raum für ein Buch über die „Umgebung der Freizeit“ zu studieren. Nach 1949 reiste Noguchi verschiedentlich durch Europa, in den Mittleren Osten und nach Japan; während der Reisen schuf er Zeichnungen und Fotografien. In Kamakura, Japan, baute er ein Atelier auf.

Zwischen 1951 und 1956 war Noguchi kurz mit der ethnisch-japanischen Ikone des chinesischen Liedes und Kinos Yoshiko Ōtaka verheiratet. Im Jahr 1955 entwarf er die Bühnenbilder und Kostüme für die umstrittene Theaterproduktion „King Lear“ mit John Gielgud in der Hauptrolle.

Während der 1950er Jahre reiste Noguchi ständig zwischen Japan und New York hin und her und richtete sich 1961 ein Atelier in Long Island City, New York, ein. In den Jahren 1971 bis 1979 unterhielt er ein weiteres Atelier auf der japanischen Insel Shikoku.

Reife Jahre (1952–1988)

Isamu Noguchi war unter anderem Teilnehmer der „documenta II“ (1959) und der „documenta III“ (1964) in Kassel. Im Jahr 1986 vertrat er die USA auf der Biennale von Venedig. In Venedig zeigte er eine Reihe seiner Akari-Lichtskulpturen. In den folgenden Jahren gewann er zunehmend an Bekanntheit und Anerkennung und hinterließ seine großformatigen Werke in vielen der großen Städte der Welt.

Isamu Noguchi Foundation, Inc.

Im Jahr 1980 gründete der Künstler die Isamu Noguchi Foundation, Inc.; 1981 bis 1985 folgte der Aufbau des Isamu Noguchi Garden Museum in Long Island City, New York.

Ein weiteres Isamu Noguchi Garden Museum befindet sich in einem Vorort von Takamatsu, Japan. Das war ursprünglich Noguchis Atelier, das er 1969 eingerichtet hatte, weil ihm der Granit der Gegend gefiel und er dort wichtige Werke schaffen konnte. Das Museum ist nur beschränkt geöffnet, eine Voranmeldung ist unbedingt erforderlich.

Ehrungen und Auszeichnungen

  • 1962: Wahl in die American Academy of Arts and Letters
  • 1971: Aufnahme in die American Academy of Arts and Sciences (Fellow)
  • 1983: Assoziiertes Mitglied (ANA) der National Academy of Design, New York
  • 1984: Ehrendoktorwürde der Columbia University
  • 1986: Kyoto-Preis
  • 1987: National Medal of Arts, verliehen vom US-Präsidenten
  • 1988: Orden des Heiligen Schatzes dritter Klasse

Tod

Isamu Noguchi starb am 30. Dezember 1988 im Alter von 84 Jahren.

Der Nachruf auf Noguchi in der „New York Times“ nannte ihn „einen vielseitigen und produktiven Bildhauer, dessen erdige Steine und meditative Gärten, die Ost und West verbinden, zu Wahrzeichen der Kunst des 20. Jahrhunderts geworden sind“.

Beiträge zu Isamu Noguchi

26. März 2022
Isamu Noguchi, 4.7.1947, Foto: Arnold Newman (© Arnold Newman Collection / Getty Images / INFGM / ARS – DACS)

Köln | Museum Ludwig: Isamu Noguchi Retrospektive zwischen Objektkunst und Design

Erste Retrospektive zu Leben und Werk von Isamu Noguchi zeigt erstmalig mit 150 Arbeiten aller Schaffensphasen und bringt einen experimentierfreudigen und politisch engagierten Künstler zum Vorschein.
23. November 2021
Isamu Noguchi, Lunar Infant, 1944, Magnesit, Holz, elektronische Komponenten, 55,9 x 40,6 x 40,6 cm (The Isamu Noguchi Foundation and Garden Museum, New York, Estate of the artist, 1988)

Bern | Zentrum Paul Klee: Isamu Noguchi

Die umfangreiche Ausstellung erkundet Noguchi als Weltenbürger, der zwischen den USA, Japan und Italien pendelte und in seinem unvergleichlichen Œuvre verschiedene kulturelle Traditionen und Techniken verschmolz.
30. September 2021
Isamu Noguchi, 4.7.1947, Foto: Arnold Newman (© Arnold Newman Collection / Getty Images / INFGM / ARS – DACS)

London | Barbican: Isamu Noguchi Skulpturen, Möbel, Lichtobjekte und Land Art-Projekte des amerikanischen Modernisten

Erste Retrospektive mit mehr als 150 Werken des japanisch-amerikanischen Künstlers Isamu Noguchi, der Skulptur, Design und Land-Art miteinander verband.
  1. Die Bedeutung der verzahnten Skulpturen wurde im September 2003 in einer Ausstellung der Pace Gallery herausgearbeitet. Die Schau mit dem Titel „33 MacDougal Alley: The Inlocking Sculpture of Isamu Noguchi“ vereinte elf Arbeiten.