Bern | Kunstmuseum Bern: Kirchner × Kirchner Maler & Kurator seines eigenen Werks | 2025

Kirchner, der Künstler-Kurator

Das Kunstmuseum Bern zeigt rund 65 Werke aus den Jahren zwischen 1908 und 1933, wobei Kirchner einen Schwerpunkt auf seine aktuelle Malerei legte. Obschon er die Schau aus eigenem Bestand hätte bestücken können, entschied er sich strategisch für Leihgaben aus Deutschland und der Schweiz, um die Akzeptanz seiner Kunst gleichermaßen darzustellen. In mühevoller Kleinarbeit rekonstruierte Nadine Franci mit Hilfe von Ausstellungsfotografien und -kritiken (Max Irmiger), dem Katalog, Bilderlisten und Korrespondenz, welche Arbeiten wirklich 1933 ausgestellt waren. Heute sind die Werke in renommierten europäischen und amerikanischen Museen und Privatsammlungen verstreut.

Das älteste Werk in der Kirchner-Ausstellung damals wie heute ist das expressive Gemälde „Straße, Dresden“ (1908/1919) aus dem Museum of Modern Art, New York und „Schimmeldressurakt“ (1908–1909) aus dem Kirchner Museum Davos. Damit zeigt sich, dass der Künstler seine ersten Anfänge in der Nachfolge von Jugendstil und Postimpressionismus verschleiern wollte. Zweifellos hatte er im Sinn, mit einem ersten expressiven, flächig gestalteten und mit leuchtenden Farbtönen ausgeführten Werk zu starten. Der Künstler war sich dessen selbst bewusst, dass er erst 1908 seinen Personalstil (und den „Brücke“-Stil) gefunden hatte. Drei Jahre nach der Gründung der Künstlervereinigung „Die Brücke“, so lässt sich heute leicht schlussforgern, begann Kirchner „richtig“, das heißt im eigenen Stil, zu malen.

„Straße mit roter Kokotte“ (1914/1925) aus dem Museo Nacional Thyssen-Bornemisza in Madrid führt in das Thema der Berliner Straßenbilder ein (→ Ernst Ludwig Kirchner: Die Berliner Jahre), während „Grüne Dame im Gartencafé“ (1912, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf) zu den seltenen Werken gehört, die Kirchner nicht übermalt und/oder weiterentwickelt hat. In Bern machen „Zwei weibliche Akte in Hochformat“ (1912, Kunstmuseum Bern) und „Sich kämmender Akt“ (1913, Brücke-Museum, Berlin) den Stilwandel des Künstlers Anfang der 1910er Jahre deutlich: Anstelle der intensiven Farbexplosionen und rohen Malerei trat ab 1910 die Auseinandersetzung mit afrikanischer resp. asiatischer Kunst und die Bekanntschaft mit Otto Mueller.

„Sitzende Dame; Erna Kirchner“ (1926, Kirchner Museum Davos) wird 2025 wie 1933 mit „Maskentanz“ (1928/29) in Verbindung gebracht. Der Bruch zur Vorkriegskunst ist radikal. Die leuchtende Buntfarbe ist zurück und die formale Lösung wird immer abstrakter. Nun ist das große Vorbild zweifellos Picasso, dessen berühmtes Gemälde „Drei Tänzerinnen“ (Juni 1925, Tate Modern, London → London | Tate Modern: Picasso: Die drei Tänzerinnen) Pate gestanden haben könnten. In diesem Zusammenhang muss auf die Freundschaft von Kirchner mit der expressionistischen Tänzerin Gret Palucca (1902–1993) hingewiesen werden. Die beiden kannten einander seit Sommer 1927; die Tänzerin besuchte den Maler in Davos und gab v.a. 1930 Tanzabende auf dem „Wildboden“. Diese könnten Kirchner „Farbentanz I [Entwurf für Essen]“ (1932, Museum Folkwang Essen), dem letzten und schlussendlich nicht ausgeführten Auftrag aus Deutschland, inspiriert haben.

Die zeitgleich entstandenen Schweizer Landschaften, darunter „Waldinneres im Bergwald“ (1919–1920), „Sertigtal im Herbst“ (1925/26), „Zügenstrasse“ (1924/26) und „Berglandschaft von Clavadel“ (1927, Museum of Fine Arts in Boston), sprühen vor Farben. Vor allem dem Komplementärkontrast Grün/Violett, abgemildert durch Blau, begeisterte den Maler offensichtlich. Er zeigt die Berghöhen genauso spitz wie die immergrünen Nadelbäume.

Die „Nachtfrau – Frau geht über nächtliche Strasse“ (1928/29) überrascht mit ihrer Modernität und gilt als ein Hauptwerk der Schaffensphase 1928/29. Kirchner hatte sich intensiv mit den den Entwürfen für das Museum Folkwang in Essen zu beschäftigen begonnen. In seiner Kunst zeichnete sich ein deutlicher Stilwandel zur abstrakten Flächenhaftigkeit ab. Vielleicht führte ihn auch ein Besuch der Ausstellung „bauhaus dessau“ in der Kunsthalle Basel zur neuen Auseinandersetzung mit Chifren der Moderne, wie hier die Neonbeleuchtung und der Typus der Neuen Frau (April/Mai 1929).

Die Werke der 1930er Jahre überraschen mit ihrer Reduktion der Details, der großflächigen Behandlung der Farbe, der Auseinandersetzung u.a. mit kunsthisroischen Vorbildern (Lucas Cranach der Ältere). In großformatigen Bildnissen - wie die Ausstellungsfotografien von 1933 belegen - näherte sich der Maler seinem Gegenüber. Diesen stehen kleinformatige Druckgrafiken, schwarz gedruckte Holzschnitte, gegenüber. Es zeigt sich nun im grafischen Werk Kirchners ein dekorativer Zug, in seinen Zeichnung eine beschwingte Linienführung wie in „Tänzerin“ (um 1933, Städel Museum, Frankfurt am Main). Mich erinnert das Blatt an Paul Klees phantasiebegabte Figuren, die dieser in seiner Bauhaus-Zeit geschaffen hat. In „Wiesenblumen und Katze“ (1931/32, Nationalgalerie, Berlin) führte Kirchner diese dekorative Tendenz zu einem Höhepunkt: Den „einfachen“ Wiesenblumen und der Gestaltung des Hintergrundes mit rechteckigen Flächen setzt er im Bildzentrum eine Formulierungsfreude entgegen, die der sachlichen Bauhaus-Ästhetik der 1920er Jahre deutlich entgegensteht. Vielleicht hatte Kirchner flamboyante Porzellan-Entwürfe von Hans Poelzig (1868–1936) im Kopf, als er den Übergang von den Blättern zur Vase gestaltete. Poelzig, berühmter Architekt in Berlin, hatte zehn Jahre zuvor nahezu rokokohafte Entwürfe geliefert.⁴ Im unteren Bereich der Komposition überrascht der Blick durch die Vase auf einen Fauenakt, ein Lieblingsthema des Künstlers seit den Aufenthalten an den Moritzburger Teichen in seiner Kugend, dem die Katze formal zur Seite gestellt wird.

Kirchner als Kurator seines eigenen Werks - bereits in der Nachfolge von Gustave Courbet mit dessen Realismus-Pavillon, von Henri Matisse und Pablo Picasso in der jüngeren Geschichte - nutzte die Möglichkeit, die ihm die Kunsthalle Bern bot, um ein ephemeres Zusammenspiel seiner Werke zu erproben. In seinem aktuellen Werk dachte er auch über Nachbarschaften, Dialoge und Schichten von Bildelementen nach. Nadine Franci gelingt eine beeindruckende Schau über einen sich selbst kuratierenden Maler. Kirchner hätte sie sicher gefallen!

Katharina Neuburger stellt ihrem Aufsatz eine Einsicht des berühmten New Yorker Historikers und Kurators Richard Rabinowitz voran, an das hier erinnert werden soll:

„Stellen Sie sich die gesamte Ausstellung wie ein Theaterstück vor. Jede der Galerien/Säle ist ein Akt mit mehreren (episodischen) Gruppen (oder Szenen), die wiederum aus einzelnen Elementen (Dialogen, Selbstgesprächen usw.) bestehen.“⁵ (Richard Rabinowitz)

Kuratiert von Nadine Franci.