Vija Celmins

Vija Celmins gilt neben Audrey Flack als bedeutendstes weibliches Mitglied des Hyperrealismus (→ Hyper Real) und als eine der wichtigsten lebenden nordamerikanischen Künstlerinnen überhaupt. Im Gegensatz zu jener Kollegin ist ihre Farbpalette so gut wie ausschließlich schwarz-grau-weiß, worin sie es im Laufe der Jahrzehnte zur höchsten Meisterschaft im Bereich der Nuancen von Licht und Schatten gebracht hat. Auch werden ihre Werke durch eine gewisse baltische Wehmut, sogar Tragik geprägt. In ihrer Nostalgie und ihrem Bewusstsein des Exils ist Vija Celmins gewissermaßen „die“ Jonas Mekas ihres Fachs.

Nachdem Vija Celmins während ihrer Studienzeit die Abstraktion aufgegeben und zur Figuration zurückgekehrt war, gingen ihr 1965/66 die Gegenstände aus, die sie in ihren Gemälden als Motive verwenden wollte. Deshalb wandte sie sich Fotografien aus Zeitschriften und Büchern zu. Auf deren Grundlage entstanden Werke wie „Burning Plane“ oder „Time Magazine Cover“. Sie schuf erste Skulpturen, bei denen sie sich auf die Bemalung der Oberfläche konzentrierte. Diese Objekte bezeichnete die Künstlerin als „dreidimensionale Malereien“. Mitte der 60er Jahre sammelte Celmins auch Fotografien und Zeitungsausschnitte über den Krieg, die aber erst drei Jahre später als Vorlagen für ihre Zeichnungen dienten.

„Damals hatte ich auch das Gefühl, ganz alleine da draußen zu sein, und ging in meine eigene Vergangenheit zurück. Ich fing an, mich mit einigen Bildern aus meiner Kindheit zu beschäftigen. […] Ich hatte Zeitungsausschnitte gesammelt. Ich streifte durch die Stadt, kannte niemanden, und beschaffte mir kleine Bücher über den Krieg, weil das irgendwie nostalgisch war.“⁴

Im Jahr 1967 hatte Vija Celmins ihre erste Einzelausstellung in den David Stuart Galleries, in der auch erste Werke verkauft wurden. Das Werk „Burning Man“ (1968) sollte Celmins’ letztes farbiges Gemälde sein. Sie wandte nicht nur der Farbe, sondern auch der Ölmalerei den Rücken zu. In den nächsten 15 Jahren würde sie keine Bilder mehr malen, sondern sich hauptsächlich der Bleistiftzeichnung widmen.

„Ich kam zu dem Schluss, dass Farbe wirklich widerwärtig war, sie war zu räumlich, zu brutal, zu sehr Ausdruck ihrer selbst.“⁵

Bleistiftzeichnungen

Vija Celmins fing 1968 an, auf Spaziergängen mit ihrem Hund Lācīte am Strand von Venice den Ozean zu fotografieren. Es waren die ersten eigenen Fotografien, die ihr als Vorlagen für Zeichnungen dienten – ein Wendepunkt in ihrem Œuvre. Es waren Celmins erste Arbeiten, bei denen eine Oberfläche die gesamte Bildfläche füllte, ohne dass Anfang oder Ende zu erkennen waren. So verfuhr die Zeichnerin auch mit weiteren Motiven, darunter dem Nachthimmel. Die entstandenen Bilder werden als „impossible images [unmögliche Bilder]“ bezeichnen. Celmins beschreibt das Bildmotiv und zugleich die flache Bildebene. Dafür erhielt sie den Cassandra Foundation Award.

Vija Celmins wurde ab 1969 von der Mizuno Gallery in Los Angeles vertreten. Diese verkaufte alle Werke aus ihrer ersten Ausstellung. Die Galerie Riko Mizuno wurde für die Künstlerin sehr wichtig, da sie Celmins die japanische Kultur, allen voran die Literatur, nahebrachte. Der semi-autobiografische Roman „Bekenntnisse einer Maske“ von Yukio Mishima war das erste japanische Buch, das sie las.

Im selben Jahr entstanden Zeichnungen der Mondoberfläche, für die Celmins Fotografien der NASA-Mondsonden als Vorlage benutzt. Auch hier war sie besonders die an der Oberfläche interessiert.

„Sobald ich die Oberfläche in meine Arbeit einbezogen hatte, fand ich sie überall: Meeresoberflächen, Wüstenoberflächen, die verstreuten Sterne usw.; sie dazu zu bringen, in einem anderen physischen Raum an ihrem Platz und real zu bleiben, war der Part der Kunst, der emotionale Part.“⁶

Nach weiteren Erfolgen erhielt Celmins 1971 ihr erstes Kunststipendium vom National Endowment for the Arts (NEA). In den folgenden Jahren nahm sie an mehreren Gruppenausstellungen teil und das Museum of Modern Art in New York erwarb 1972 zum ersten Mal ein Werk von Celmins – die Zeichnung „Untitled (Ocean)“ von 1970.

Im Jahr 1973 unternahm Celmins Ausflüge in die Wüste; das Death Valley in der kalifornischen Mojave-Wüste wurde ihr bevorzugtes Ziel. In der kleinen Stadt Arroyo Seco, New Mexico, mietete Celmins für ein paar Monate ein Haus. Sie zeichnete viel, unter anderem die Oberfläche des Wüstenbodens, den sie bei ihren Ausflügen fotografierte. Dort entstanden auch die ersten Zeichnungen des Nachthimmels nach Satellitenaufnahmen.

„Natürlich gibt es in New Mexico großartige Nachthimmel. Außergewöhnliche. Doch war es für mich zu aufregend, direkt vom Himmel auszugehen: Mir gefiel die Tatsache, dass er auf einem gefundenen Foto schon flach war.“⁷

Das Whitney Museum of American Art in New York widmete Vija Celmins die erste Einzelausstellung mit zwölf ihrer Ozean-Zeichnungen (4.10.–4.11.1973).

Celmins zog 1975 mit ihrem Partner nach Big Sur, Kalifornien. Sie lernte den tibetischen buddhistischen Mönch Chögyam Trungpa Rinpoche kennen, der ihr die Meditation näherbrachte. „Zen Mind, Beginner’s Mind [Zen-Gewar – Anfänger-Gewar]“ von Shunryu Suzuki war ein wichtiges Buch für Celmins, allerdings wurde sie nie praktizierende Buddhistin.⁸

Nach dem Ende einer Beziehung zog sich Celmins zurück und besuchte regelmäßig die Wüste von New Mexico (1977–1980). Sie kaufte ein Stück Land in Ranchos de Taos, wo sie viel Zeit verbrachte.

To Fix the Image in Memory

Die Künstlerin begann an der Skulptur „To Fix the Image in Memory“ zu arbeiten, für die sie Bronzegüsse von in der Wüste gesammelten Steinen anfertigte und diese nach den Originalen bemalte. Nach vielen Jahren arbeitete sie wieder in Öl.

„Bei diesem Stück ging es um das Verbrauchen [von Zeit], es dauerte vielleicht fünf Jahre, das Werk fertigzustellen. Doch war es nicht so, dass ich die ganze Zeit gearbeitet hätte. Ich konnte die Arbeit daran nicht ertragen. Doch als ich sie wieder aufnahm, war es, als würde ich wirklich die Natur beobachten, für eine lange, lange Zeit, eine Art Meditation. Und auch eine Art Test, zu sehen, was meine Augen sehen konnten; ein, wie ich meine, Test der Vorstellungskraft, den du sehen kannst und dir auf einer anderen Oberfläche wieder vorstellst.“⁹

Das Newport Harbor Art Museum (heute: Orange County Museum of Art) in Newport Beach, Kalifornien, organisierte 1979 die erste Retrospektive der Künstlerin mit rund 60 Werken.¹⁰ David McKee, der die Ausstellung in Newport gesehen hatte, konnte Celmins für die McKee Gallery in New York gewinnen. Vorerst lebte die Künstlerin aber noch in Los Angeles.

New York

Celmins unterrichtete im Sommer 1981 an der Skowhegan School of Painting and Sculpture in Madison, Maine. Sie entschloss sich, nach New York zu ziehen, und tauschte ihr Atelier mit der Künstlerin Barbara Kruger, die in Los Angeles eine Professur angenommen hatte. 1989/90 erwarb Celmins ein Loft in New York.

Ab 1982 lebte Vija Celmins in New York, kehrte aber regelmäßig nach Los Angeles zurück, um in der renommierten Druckwerkstatt Gemini G.E.L. Grafiken drucken zu lassen.¹¹ Dort arbeitete sie hauptsächlich mit Doris Simmelink und Chris Sukimoto zusammen, die ihr bei ihren Experimenten in vielen unterschiedlichen Drucktechniken halfen.

Über einen Freund von Riko Mizuno erhielt sie eine Hündin aus Japan. Celmins nannte sie Zīlīte, lettisch für „Eichel“.

Mit „Star Field III“ (1983) endeten die langen Jahre, in denen Celmins nur zeichnete. Sie meinte, alle Möglichkeiten des Grafits und der Kohle ausgeschöpft zu haben.

„Die Arbeit an ‚Star Field III‘ dauerte etwa ein Jahr. Es war eine fantastische Zeichnung, allerdings dachte ich, dass ich bei einer weiteren verrückt wurden würde. Tatsächlich habe ich drei gemacht, dann habe ich ganz mit dem Zeichnen aufgehört.“¹²

In einer von der McKee Gallery in New York ausgerichteten Einzelausstellung zeigte Vija Celmins Skulpturen, Gemälde und Zeichnungen des Nachthimmels.

Nachthimmel

Im Jahr 1985 begann Celmins ihr erstes großes Gemälde nach ihrer langen Malpause: „Barrier“ leitete eine Serie von Darstellungen des Nachthimmels ein, der eines der wichtigsten Motive in ihrem Werk wurde. Die Abstraktheit des Sujets faszinierte die Künstlerin.

„Es [„Barrier“] kann vielleicht Staub ähneln, der herabfällt, oder fallendem Schnee. Bei den Bildern von Nachthimmeln war es auch sogar so, dass das Bild etwas mehr abstrakt und etwas weniger spezifisch wurde.“¹³

Von nun an konzentriert sie sich wieder auf die Malerei:

„Ich meine, dass ich mich auf eine Dichte hinbewegte, die der Grafit nicht mehr bewerkstelligen konnte. Und mit der Malerei war es, wie ich denke, natürlich so, dass sie viel geschmeidiger war. […] Die Farbe war also auf eine völlig andere Weise flüssig und lebendig.“¹⁴

Die McKee Gallery organisierte 1988 Celmins’ erste Ausstellung mit Malerei seit den 1960er Jahren.

Spinnennetze und der Nachthimmel in Weiß

Im Jahr 1992 malte Vija Celmins eine Serie von Bildern, für die ihre Alltagsgegenstände als Vorlage dienten. So malte sie unter anderem die Oberfläche eines Holzstücks detailliert und aus nächster Nähe ab. Diese Werke stellte sie in einer Ausstellung in der McKee Gallery aus, zusammen mit dem Gemälde eines Spinnennetzes.

„Im Museum für Naturkunde fand ich einige wissenschaftliche Darstellungen von Spinnennetzen. Sehr aufregend. Ich dachte, dass diese Netze den Raum beschrieben, den ich schon immer beschreiben wollte – eine Oberfläche mit kleinen Facetten, die exakt jede Schnittstelle erfassen und dokumentieren; eine Oberfläche, die bewohnt war.“¹⁵

Nach einer zehnjährigen Pause vom Zeichnen begann Celmins 1994 wieder mit Kohle zu arbeiten. Das Material ist formbarer als Grafit und erinnerte sie an Farbe.

Als die Künstlerin 1997 wurde mit dem MacArthur Fellowship ausgezeichnet und konnte sich Celmins ein kleines Haus in Sag Harbor auf Long Island, New York, kaufen. Neben Arbeiten vom Nachthimmel schuf sie nun eine kleine Gruppe von Werken, die auf Bildern von Spinnennetzen basieren (1998).

Vija Celmins begann, mit farblichen Umkehrungen ihrer Nachthimmel zu experimentieren. In den seit 2000 entstehenden Arbeiten zeigte sie eine erste Abkehr vom Schwarz als dominante Farbe.

Blackboard Tableaus

Die Künstlerin mietete 2007 eine Scheune in der Nähe ihres Hauses auf Long Island, die sie als Atelier nutzte. Von nun an verbrachte sie mehr Zeit in Sag Harbor als in New York. Celmins begann mit der Arbeit an den „Blackboard Tableaus“.

Im Jahr 2016 adoptierte Celmins einen Kater namens Raymond.

Bridgehampton

Celmins zog endgültig in ihr Haus in Bridgehampton, New York, und begann in ihrem gerade renovierten Atelier zu arbeiten (2019–2022).

Celmins’ neueste Werken sind u. a. großformatige Gemälde von fallendem Schnee.